3歳からピアノを始めたけれど、別に特異な才能があるわけでもない自分がそれをなんでここまで続けてきたかというと、一つには先生方に恵まれたからだと思う。師弟関係で悩むことも多い音楽の世界の中、良い師を持てたという意味では私はとてもラッキーだった。また、人格形成期にあった子供から20代の間に「こうなりたい」と憧れられる人たちがいたことは、音楽だけでなく、人としてもただただ幸運だった。 いつまでも学びたい学生気分でいたが、今30代になり、いつの間にか教える側の年齢になってしまった。どういう先生になりたいかと考えると、やはり自分がこれまでついた先生方のことが浮かぶ。これまでその人たちからどんなことを学んだのかを考え、自分が教える側として指針にしたいことをまとめてみた。 ①基礎が全て。ここにはテクニックは勿論、楽譜の読み方、時代別の音楽的な考え方の基礎も含む。 スケールやアルペジオが美しく弾ければ、どんなレパートリーにも活かせる。だがバーナムから始まり、ハノン、チェルニーと続いていくエチュードにはうんざりした人も多いはず。私もその一人だったのでよく気持ちがわかる。「曲が弾ければその中でテクニックも練習できる！」と思ったりして上級者などだとそれが通じる人もいるのだが、しかし、お子様や初心者の皆様は特に、騙されたと思って毎日少しずつ基礎練習をしてほしい。そのさきが全然違う。また弾けない時は遠慮なく先生に頼ってほしい。反復練習、リズム練習、メトロノーム練習とか、暗譜練習、鍵盤をみないで弾く、歌いながら弾くとか、ピアニストは色々な秘伝練習法を隠し持っている（こういう練習法の元を辿っていくと冗談抜きで、ショパンやリスト、ブラームスなど、歴史的な音楽家にたどり着く。何百年もかけて連綿と受け継がれている技術だ）。私は自分が不器用で、死ぬほど基礎練習をしないと今も弾けないので、難所のトレーニングメニュー（？）を組むのは結構好きだ。 また「基礎」というとフィジカルなことが思い浮かぶかもしれないが、私は「基礎」という言葉の中に、音符が正しく読めるか、リズムが正確に取れるか、基本的な楽語や表示記号を理解しているか、ということも含めている。さらに言えば、作曲家の名前を知ることから始まり、バッハを弾く時にはポリフォニーという概念がある、とか、ショパンを弾く時にはルバートを使う、といった作曲家ごとの演奏法や、「フーガ」というものがある、「ソナタ形式」を知る、といった初級の音楽理論も「基礎」の中に含めて考えている。こうなると基礎といっても幅広いのだが、総合的にクラシック音楽の「かたち」を理解していくことこそが音楽を長く愛し、続けていく礎となるのだということを強く信じている。 というわけで何をおいても「基礎」。これが一番大切です。 ②生徒の演奏の個性と特長を見抜いてそれを伸ばす。 NYに大学四年生で行った時、衝撃的な体験をしたことがあって、それは自分が弾いている曲と全く同じ曲を同門の人が弾いた時に、全然違う演奏だったことだった。テンポも音楽の作り方も、根底から何もかも違った。大抵そういう時、その人ばかりがよく見えて「ああ私は下手だなあ」と落ち込むことが多いのだが、その時は不思議なことにそう思わず「あ、こういう解釈もあるんだ」と自分のことも相手のことも肯定できた。それはその先生が、私の演奏も、その人の演奏も認めてくれて、どちらも否定せずにそれぞれのいいところを伸ばしてくれたからだと思う。そしてそれが生徒にも分かるように指導してくれた。その経験をした時、いつか自分が教える時は、そういう先生になりたいと思った。先生は楽々やっているように見えたけど、それをやるためにはどれほど莫大な経験値と知識、人間に対する深い洞察力と愛情が必要か。生徒とそのバックグラウンドへの共感、理解がなかったらできないことだ。その先生はいつも 「子供はみんな違う解釈をする。自由で、縛られない。だから私は子供を教えるのが好きなの」 とおっしゃっていた。その言葉はずっと自分の中にあって、指導する時心に刻んでいる。これは①のような具体的な指導方法とは違うけれど、自分の指針で、多分一生目標です。 ③背中を見せられる人でいる。自分での演奏活動をきちんと続ける。 演奏活動を長く続けられるというのは大変なことだ、ということをつくづく感じる。練習をきちんと続けられる時間と精神力、健康な身体、周囲の協力、そういうものをちゃんとメンテナンスし続けてやっと演奏は続けられる。先生たちはこれをみんなずっとやってたのか、すごいなあと改めて思う。学生だった頃、先生の演奏が聴けることはとてもありがたいことだった。それに演奏を続けていくというのは、自分自身のアイデンティティを保ち続けていうことでもあるから、色々なことがあっても言い訳せずにコツコツ努力したいなと思っている。

2020年から2023年の間に楽譜編集者として働いていました、というと必ず「何をやってたんですか？」と聞かれる。安心してください。私もやってみるまで知りませんでした。ただ、今はフリーランスになったので、前職の職務内容が多少想像できた方が仕事の幅が広がるかなと思い、ここに簡単にまとめてみることにする。微に入り細に入り、というわけではなく、本当にざっくりですが、もしご興味あれば。 なんでその仕事を始めたのか これは簡単である。受かったからだ。当時私は就活をしており、音楽関係の仕事先を探していた。教育機関を考える一方で、私はもし音楽をしていなかったら出版社で働きたかったと思うくらいには出版社に憧れがあり、その上ちょうど良いタイミングで求人が出ていたので思い切って応募した。かなり悩んだので、締め切り日の消印で郵送したのを覚えている。とはいえ、職務内容は想像もつかなかったので、自分の経歴で受かることはあまり期待していなかった。面接でも「楽譜編集者って何をするんですか？」と聞いたくらいだ。だから受かった時にはとてもびっくりした。驚いたそのままの勢いで引越し、仕事を始めた。人生はご縁。 何をやってたか ・担当作に関わる企画、著者とのやりとり、権利関係のこと、デザインに関わること、宣伝関係のこと ・楽譜、文章、翻訳（英日）の校正、校訂 ・お客様対応 大きくまとめるとこんな感じである。それぞれの仕事は作品によってかなり違うのだが、大体はこんな感じ。私はほぼピアノ楽譜をやらせてもらっていた。 担当作に関わる企画の部分は、多分「編集者」という仕事を考えるときにまず思い浮かぶ部分だと思う。「この本を出したいです」と言って企画会議に出したり、お金の計算をしたり、解説や運指をしてくれる著者とやりとりしたり、著作権関係のことを調べて許諾をとったり、楽譜の中や表紙のデザインを考えたり決めたり、その本に関連するコンサートやレクチャーで即売をしたり、実務的なことだ。自分に足りない部分だったので、ここを鍛えられたのはとても良かった。 ２番目は楽譜の内容に関わること。楽譜の校正というのは、新しく出る楽譜の音やリズム、表示記号、指番号など、楽譜全体が意図通りに表記されているか確認する作業。文章の校正は前書きや解説部分などで、書籍校正に比べると当然少なかった。翻訳の校正は原文と日本語訳を見比べながら意図通りに訳されているか、日本語として意味が通るか、などを確認する作業。私の場合は英日の校正がほとんどだった。校訂というのはもう少しクリエイティブな部分が加わる作業で、楽譜を数ある版のどれを基にするか決めたり、楽譜にいくつかパターンがある中でどれを採用するか決めたりする（実際にはもっと多岐にわたるけど、大きくまとめるとこんな感じ！）。 最後のお客様対応が一番簡単に想像できると思う。電話対応したり、質問に答えたり、必要なら楽譜の修正をしたりする。 楽譜の編集者というと、新しい曲の企画なんかを見て「おお、なんといい曲なんだ。出版しよう」という新作出版の仕事も想像されると思うし、実際そういう事もあるのだが、私の場合はほぼクラシックのピアノ楽譜に担当が偏っていたため、全くの新曲を担当することは多くなかった。でもそれとは別に隠れた名曲を掘り出す、みたいな作業は時々あって、それは大好きだった。あとは出版された曲を演奏してYoutubeに載せる、みたいなことも時々あって楽しかった。 まとめ かなりあっさりとしたまとめだが、こんなことをやっていました。もっと詳しく知りたいことがあれば、お尋ねください。ちなみにフライヤー制作が趣味になったのも楽譜編集をやったからです。

時々、音楽レクチャーの組み立て方を聞かれることがあるので、ここにまとめようと思う。ただ、わたしにできるのはどちらかといえば演奏する人向けのレクチャーの作り方なので、バチバチの研究発表というよりは、一般のお客様またはクラシックファンに向けたコンサート＋レクチャーのような形式のものだと思って欲しい。つまり、資料記載の仕方とか、どこから材料を拾ってくるかとか、そういったことには比較的ゆるく、「新事実」を発表するわけではなくて、今までも知られていることや資料を自分なりにまとめて発表する、というものだ。こういう機会は意外と多く、「クラシックファンの裾野を広げる」という目標のもと、企画する主催も多いんじゃないかと思う。どう始めればいいかわからないという方の一助になればいいと思う。 Contents [非表示] テーマの決め方 まず考えるのは、オーディエンスが誰なのかということ。 大人？学生？子供？クラシックに詳しい人なのか、そうでないのか。例えば「ソナタ」と言ったときにそれが何かすぐわかる人なのか、そうでないのかで、レクチャーの内容は全然違うものになるだろう。一番最初に出来る限り、客層のリサーチをするのが良い。その上で自分の興味あることを話そう。 具体的なテーマ決めを考える。 1番簡単なのは、自分が弾いている、もしくはよく知っている曲をそのままテーマにすること。ただ、例えば「ベートーヴェン作曲の《月光》(正式名称ではないけれど、便宜上このタイトルを使います）をテーマにします！」としたとしても、それだけでは話が進まない。《月光》をテーマにするとしたら、その曲にどういう角度からアプローチするのか、というところが1番大切である。初めて《月光》を聴く層だったら、包括的な内容が良いし、そういった知識がすでにある層に向ければ、もっと尖った内容がいい。以下が《月光》の例だ。 作曲家がだれか・曲の成立過程・曲の内容・演奏 形式や構成を分析していく音楽理論的なもの、歴史的背景やベートーヴェン自身に焦点を当てたもの、作曲・出版経緯、楽譜の版比較、周りにいた作曲家達、ベートーヴェンが誰かから受けた影響、ソナタ形式の発展の中での立ち位置、演奏史、次世代の作曲家達からはどう見られていたのか、何故現在人気曲なのか、名ピアニスト達の演奏比較、日本ではいつから誰が弾いてきたのか。また少し特殊だが、ピアノの先生に向けた「弾き方・教え方講座」というのもある。 焦点の当て方は無限でそれがハマると、よく知られている曲でも新奇性のあるレクチャーが作れる。 作曲家その人、というテーマもまたある。 ただこれも、モーツァルトやベートーヴェンなどは星の数ほど先行研究があるので、個人的にはちょっとマイナーな人を取り上げる方がやりやすいかもしれない。そうすれば、何年に生まれてこういう曲を作って、何年に亡くなりました、という話で興味深いものが作れるからだ。もちろん、面白い焦点の当て方ができればメジャーなものでも面白く作れる。「シューマンがかかった病気はなんだったのか」とか、「ナチス時代にベートーヴェンはドイツでどうやって受容されていたのか」とか、医療・科学・社会学・歴史・文学・教育など、別ジャンルからの視点が入るとぐっとオリジナリティがあるものができる。ただこれは音楽ジャンルの外に出ないといけないので、調査力が必要とされるし、あと弾く曲を選ぶのが難しい。音楽学分野に足を踏み入れることになるので、資料精査などの見られ方も厳しくなるのは事実なのだが、演奏家がこういったテーマに取り組むことには大きな意義があると私は思っているので、好奇心と情熱を味方につけて、是非取り組んでみてほしい。 楽曲や作曲家をテーマにするレクチャーはとっかかりには1番やりやすいが、そうでないレクチャーも面白い。国や地域ごとにまとめるのは定番だが面白いものができる。「キューバのクラシック音楽」とか、今までそれほど先行研究が多くないものだったらそのままで良いが、「フランス音楽」「ドイツ音楽」だと、ちょっと幅が広すぎるので、そういう場合は年代も限定しよう。例えば「フランス革命の音楽」とか、「〇〇年代の音楽」とか。歴史的イベントと繋げるのはやりやすいし、面白いものが出来やすいと思う。先述のフランス革命はもちろん、二つの大戦や冷戦についてなど近現代のものになると世代間での感じ方も違い、今だからこそ作れるものもあるだろう。「ソナタ形式の変遷」とか、「《ソロリサイタル》の発展」とか、一つのジャンル・事象に焦点を当てるのも手だ。 専曲や作曲家が有名ならばそれだけ先行研究やレクチャーも多いので、誰がやっても同じになってしまう。たとえどんな一般的な内容だったとしても、自分だけのスペシャリティーが示せると良いと思う。あなただからこそできる、というのが肝なのであります。 大まかなテーマとリサーチはじめ とはいえ、誰だって最初からそんなオリジナリティがあることは思いつかない。なので、最初から限定的なテーマを定める必要はない。リサーチの過程で少しずつ固めていけば良いのだ。そのためにはまずとっかかりが必要だが、伝記を読むのは良いスタートだと思っている。『作曲家◎人と作品』シリーズ（音楽之友社）はおすすめ。作曲家の生涯と作品がまとまっていて、概要をつかむのにとても良いです。（PR文になってるけど、本当にそう思ってるのだ笑）…